El neoimpresionismo, también conocido como divisionismo o puntillismo por la ténica utilizada, es una modalidad estilística del impresionismo desarrollada por Seurat y Signac.
Surge, en cierto grado, como reacción contra el impresionismo. Los impresionistas habían formulado los principios que les servían de base, pero sin una sujeción firme a los mismos, cosa que si harán los neoimpresionistas.
"Tarde de domingo en la Isla de La Grande Jatte" George Seurat
El Palacio de los Papas, Paul Signac
Otro de los artistas que marcaron el puntillismo fue Charles Angrand, Angrand comenzo como impresionista pero siendo amigo de Seurat y Signac se vio influenciado por el neoimpresionismo.
El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX principalmente en Francia caracterizado por el intento de plasmar la luz y el instante.
• Impacto del ferrocarril: concepto de "velocidad”, la retina captaba así una "realidad distorsionada".
• Impacto de la fotografía: Demostró que lo que determina la visión es el color y no el dibujo
• Impacto del óleo en tubo: El artista no tiene porque elaborar cuidadosamente los pigmentos, de ahí que el pintor salga del taller para pintar al aire libre.
• Impacto de la Naturaleza y de la Luz: el estar al aire libre revela una nueva realidad llena de luz.
• Impacto del Tiempo: el tiempo es un tema que obsesiona al hombre y en particular al pintor.
Estos cambios hacen que el Impresionismo tenga unas características concretas:
• El paisaje como tema principal
• Técnica: rápida, de largas pinceladas cargadas de materia pictórica
• Color: Eliminan de su paleta el color negr y el blanco puro.
• Ausencia de perspectiva: pintura plana y bidimensional porque en realidad es como percibe nuestra retina.
Manet
Se le considera como una figura de dos mundos: Realismo e Impresionismo. han calificado su estilo como Naturalista por cuanto se basa en la observación de la realidad y en la plasmar ésta sin violación ninguna. Manet es un pintor de la vida moderna, él encarna el prototipo de artista que reclamaba Baudelaire. Sus obras suscitaron escándalos de los más conocidos en la Historia del Arte y el mundo no estaba preparado para asumir un arte lleno de verdad como el suyo, una pintura en que la vida se presenta tal cual, sin adorno ni metáfora.
Monet
Siempre se le ha considerado como el máximo representante del Impresionismo. A lo largo de su dilatada carrera, llegó a ejecutar cerca de tres mil cuadros. Su máxima preocupación es plamar la vibración cromático-lumínica en sus lienzos. En sus temas la luz engendra el color y la forma. Sus temas preferidos son las marinas, escenas fluviales y paisajes. En su infatigable investigación de la incidencia de la luz, observa que ésta varía con el paso del tiempo, y así se producen múltiples efectos que intenta rescatar con su ágil y rápida pincelada. Se mantuvo fiel al Impresionismo hasta su muerte.
Monet fue un gran amante de la cultura y arte japonés. De ahí, que se construyera un jardín a la oriental, con un puente y con nenúfares. Este fue un buen lugar para refugiarse en sus últimos años. En este tiempo, un Monet casi ciego se deja "iluminar" por una luz limpia incidiendo en el agua de su estanque y en todo lo que le rodea. Ello le lleva a crear pinturas restallantes de vida, verdaderas "sinfonías cromáticas".
Degas
Es un impresionista de la forma más que del color. Degas encarna la vena del clasicismo. La modernidad en Degas, reside en que desplaza los temas académicos por los contemporáneos, estableciéndose con ello una analogía con Manet. Degas es un hábil dibujante, le preocupó captar el movimiento con fidelidad, de ahí que le obsesionaran temas como las bailarinas y las carreras de caballos. Degas es un observador nato de la mujer. Le gusta captar las posturas más insólitas, las poses naturales e instantáneas. Muchas de sus composiciones presentan asimetrías y los bordes cortados. Ello se debe al influjo de la fotografía y de los grabados del arte japonés. Podría decirse que Degas representa el "Impresionismo de Interior".
Degas no armonizaba bien con el Impresionismo por cultivar el dibujo en detrimento del color, tampoco armonizaba con las tendencias conservadoras por su tendencia a cultivar los temas más contemporáneos.
Renoir
Representante del Impresionismo más sensual. Renoir es uno de los impresionistas más reconocidos por los temas que cultiva: flores, escenas dulces de niños y mujeres. El desnudo femenino es un tema que le obsesionó, sus formas gruesas pueden recordar a Rubens y su pincelada suelta y de gran cromatismo a Tiziano. Renoir posee una vibrante y luminosa paleta que hace de él un impresionista muy personal.
El realismo surge después de la revolución francesa de 1848. El desencanto por los fracasos revolucionarios hace que el arte abandone los temas políticos y se concentre en temas sociales como el trabajo de niños y mujeres, los horarios excesivos, las viviendas insalubres.
La meta del realismo no es la belleza, sino la verdad, y por tanto, el conocimiento de la realidad pone fin a la pintura concebida como relato figurado.
Jean Francois Millet fue uno de los máximos representantes de la escuela de Barbizon, es el mejor interprete de la vida campesina y de lo que esta inherente a ella (hambre, pobreza, miseria, etc). Millet represento la situación en la que vivía tal y como era en sus obras.
Para Millet el campesino fue una constante en su trabajo y casi fue como una figura mística. Fue el primero en representar al campesino como protagonista, como un nuevo héroe. El hecho de que utilizara al campesino como protagonista se vio beneficiado por el tiempo en el que vivió, ya que se empezó a notar el gusto por lo popular. Sus obras más características son Los Gavilladores, El Ángelus, Los canteros, La costurera, La colada y Las espigadoras.
En la obra, Las espigadoras se observa la fatiga de una mujer que ya no puede agacharse por el dolor de espalda. A pesar de que es una escena dramática, Millet logra darle una visión dulce de lo que es la vida en el campo, recreándose en lo que este tiene de idílico y pastoral. La uso de la luz contribuye a que esta escena sea dulce, y que parece congelar a sus figuras, para que estas queden suspendidas en la eternidad.
Courbet, en cambio, suscito enormes polémicas por su elección de temas vulgares en sus pinturas. Slia decir: “Yo soy courbetista, mi pintura es la única que tiene valor, yo soy el primero y el único a la cabeza de mi tiempo. Se me acusa de vanidad. Yo soy en efecto el hombre más libre y el más orgulloso de la tierra.”
Su pintura El taller del pintor es una declaración de independencia del artista moderno. En esta obra Courbet se representa a ti mismo un paisaje realista y rodeado de personajes de su entorno. En una ocasión Courbet dijo lo siguiente sobre su obra: “Es la historia moral y física de mi taller, es la sociedad en lo más alto, en lo más bajo, en su término medio. En una palabra, es mi manera de ver la sociedad en sus intereses y sus pasiones…”.
Otras obras son Buenos días, señor Courbet (1854), Jóvenes a orillas del Sena (1856-57), La Siesta (1866), Mujer en las olas (1866), Las Bañistas (1853). Cultivó el desnudo femenino con gran libertad e incluso a veces con total impudor
Se origina con on el deseo de recuperar las huellas del pasado se pusieron en marcha expediciones para conocer las obras antiguas en sus lugares de origen. Estuvo marcado por grandes cambios sociales como:
La Revolución urbana: incremento espectacular de la población en las ciudades, la revolucion industrial, la evolución política desde el puro absolutismo al despotismo ilustrado y el el republicanismo
Arquitectura.
Detallismo en la arquitectura de interiores en donde los muros pintados en delicados tonos azulados, verdosos o amarillentos, los finísimos estucos de los techos, los muebles y los techos, están diseñados para dar una íntima sensación de confort.
Branderburger
Se aprecia la elegancia del periodo clasico, asi tambien como la austeridad.
Chiswick House
Escultura.
Las esculturas neoclásicas se realizaban en la mayoría de los casos en mármol blanco, sin policromar, puesto que así se pensaba que eran las esculturas antiguas, predominando en ellas la noble sencillez y la serena belleza
Pintura.
Se trata de volver a los ideales clásicos tras los excesos del barroco y del rococó. El problema principal que se planteaba a los pintores neoclásicos, a diferencia de lo que ocurría con los arquitectos o escultores de este estilo, era la escasez de las pinturas clásicas. Se tomaron modelos de la antigüedad adaptándolos a las necesidades de renovación política, social, ética y cultural de la época
El arte barroco es un arte en que se exacerban los sentidos y la sensibilidad se pone al límite, contrasta abiertamente con el ideal de armonía, proporción y medida que propugnó el Renacimiento. El término Barroco se creó en el siglo XIX y deriva del vocablo berueco que significa "perla irregular", el cual se utilizó para describir aquellos objetos de exagerada ostentación.
Sus principales características son:
Dinamismo: Crear una sensación constante de movimiento dado por el uso de escorzos, diagonales y ondulaciones.
Teatralidad: Conmocionar emotivamente al espectador y para ello recurre a procedimientos hiperrealistas.
Decorativismo y suntuosidad: Minuciosidad en la composición de pequeños detalles y su gusto por la ornamentación.
Contraste: Contrario al equilibrio y a la uniformidad renacentistas, su ideal es acoger en una misma composición visiones distintas y hasta antagónicas.
Cada una de las Bellas Artes tiene representantes en este movimiento cultural. En la música sobresalen Antonio Vivaldi y Johann Sebastian Bach. En la literatura se encuentran Luis de Góngora, Francisco de Quevedo y Villegas, asi como Sor Juana Inés de la Cruz.
ARQUITECTURA
Se convierte en un marco idóneo que integra la plástica pictórica y escultórica.
Plaza de San Pedro, en el Vaticano
Uno de los rasgos más característicos es el gusto por lo curvilíneo, las formas se hacen onduladas, los muros y los entablamentos se alabean y dinamizan, los frontones se parten y resuelven en curvas y contracurvas hasta la completa desaparición de las normas y proporciones clásicas.
San Carlo alle Quattro Fontane
Dinamismo que contribuye a la configuración de un nuevo concepto del espacio, en donde hay una interdependencia de las unidades del edificio en un todo coherente, dotado de unidad interior y exterior.
Sant'Andrea al Quirinale fachada
Sant'Andrea al Quirinale interior
La luz es un elemento importantísimo al realzar la movilidad de los edificios y multiplicar los ángulos de perspectiva y el dinamismo de las formas.
Se tiende a hacer desaparecer las superficies lisas que se enmascaran con nichos o elementos decorativos profusos y se utilizan elementos arquitectónicos nuevos como las columnas en espiral o salomónicas y el estípite, el cual es una pilastra troncopiramidal invertida que a veces tiene funciones de soporte.
Principales exponentes:
• Gian Lorenzo Bernini: Plaza de San Pedro, Iglesia de Sant'Andrea en el Quirinal, Capilla del Marqués Raymondi, Colegiata de Ariccia, Iglesia de San Tomás de Villanova, Palacio Montecitorio, Palacio Chigi Odescalchi, Scala Regia del Vaticano
• Pietro da Cortona: Iglesia de San Lucas y Santa Martina, el embellecimiento del exterior de Santa Maria della Pace.
• Francesco Borromini: Sant' Ivo alla Sapienza, Sant'Agnese en Agone, San Carlo alle Quattro Fontane
ESCULTURA
Su exponente más célebre es Bernini
El éxtasis de Santa Teresa
Las esculturas adquieren una movilidad y un dinamismo proyectados hacia el exterior en donde las figuras se agitan y sus miembros se contorsionan en actitudes extremas o dislocadas que sorprenden al espectador; la luz interviene activamente en la expresión de esta movilidad. Hay un naturalismo que refleja la realidad tal como es.
Rapto de Proserpina
En el Rapto de Proserpina, la posición es un contraposto retorcido, reminiscencia del Manierismo y permite una observación simultánea del rapto con Plutón tratando de mantener a Proserpina sujeta. Es notable la representación de los detalles en donde Proserpina empuja la cabeza de Plutón estirando su piel, y los dedos de éste aprietan cruelmente la carne de Proserpina tratando de inmovilizarla.
Entre otras de las esculturas de Bernini también se encuentran el monumento de La fuente de los Cuatro Ríos, en donde se observa la fusión del arquitecto y el escultor.
La fuente consta de un obelisco romano llamado Agonalis y en cada costado la representación de los cuatro ríos más caudalosos conocidos en la época, así como los más grandes de cada continente: Rio Nilo, Rio Danubio, Rio Ganges y el Rio de la Plata
PINTURA
Sus representaciones más importantes se dieron en Italia, Flandes, Holanda y España. Se desarrollan nuevos géneros como los bodegones, paisajes, retratos, cuadros de género o costumbristas, así como se enriquece la iconografía en los asuntos religiosos.
A diferencia del arte del Renacimiento, hay un predominio del color sobre el dibujo, un claroscuro en donde la luz en juego con la sombra cobra una gran importancia, sensación de profundidad, uso de escorzos en donde habia una representación de las figuras en actitudes no paralelas a los lados del lienzo o fresco y una composición asimétrica usandose un desequilibrio en donde aparecen figuras cortadas como si continuaran fuera de la tela.
El tenebrismo fue iniciado en Italia por Caravaggio. El se decanta por el empleo de un foco de luz para ir moldeando plásticamente las figuras representadas en su pintura. Por medio de hábiles golpes de luz sabe resaltar las partes más elocuentes, mientras que el resto permanece en penumbra. Se ha hablado de Luz de Sótano o luz de Bodega en referencia a ese particular modo de iluminación que utilizaba Caravaggio y que tanto influencio en el Barroco. Caravaggio se inclina por representar los aspectos mas crudos de la realidad.
La vocación de San Mateo
La luz aporta potencia dramática y simbólica. En esta pintura se puede hablar de una luz dual. Por un lado es una luz apropiada para representar la realidad física, y por otro para representar el rayo divino. La luz del cuadro parece entrar con Cristo, porque la diagonal de su mano corresponde con la dirección del haz de luz. El espacio responde al interior de una taberna, lo que contribuye a potenciar el claroscuro.
En el Barroco en Flandes destaca Rubens con su obra Las Tres Gracias, en donde representa un grupo de mujeres desnudas en el bosque.
Rubens se inspiro en modelos antiguos de la tradición clásica italiana. Es una de sus obras tardías, utilizo trementina para dar una mayor fluidez en la consistencia de los colores, experimentando así un cambio en la técnica y pincelada.
Rembrandt fue el mejor pintor barroco de la escuela de Holanda, se caracterizo por pintar retratos con un gran realismo y expresionismo. Se adentro en la comprensión de la naturaleza humana y traslada este estudio a sus obras. En sus autoretratos hay una gran representación de su trayectoria, ya que en sus últimas pinturas se observa la madurez del estilo del pintor .
También en el barroco holandés se encuentra Vermeer de Delf, la atmosfera de sus interiores habla del cuidado con que trata lo cotidiano. La luz que emplea, tanto en interiores como en exteriores es de suprema sutileza manejandola como un punto focal.
La muchacha de la perla
En el barroco español destaca Velázquez, del cual se dice que es el pintor más grande que ha vivido. Produjo la mayor cantidad de obras maestras de la historia del arte.
Las Meninas se considera una de las obras más grandes de la historia del arte. Uno de los secretos de esta pintura es hacer algo relevante de una escena cotidiana. En este cuadro Velázquez se refleja en su propia jornada de trabajo, en el espejo de la pared trasera se reflejan el rey y la reina que es el tema de la pintura sobre la que se está trabajando, la princesa mirando a sus padres rodeada de sus ayudantes y el perro de la familia. Detrás se encuentra un personaje desconocido. Al fondo, justo en el punto de la perspectiva aparece el aposentador de la Reina, el caballero Don José Nieto debajo del quicio de la puerta. Por último casi en la penumbra aparece el pintor detrás de su lienzo.
El Renacimiento expresa una época donde se vuelve al estudio e imitación de la literatura y arte de la antigüedad, griega y romana En pintura la renovación hacia lo clásico se realiza por medio del estudio del natural y de la aplicación de las leyes de la perspectiva, únicamente este arte recibe la influencia greco-romana a través de la arquitectura y la escultura.
La anatomía del hombre fue caso de un detallado estudio por parte de científicos, que dibujaban ordenadamente sus descubrimientos, involucrándose con frecuencia el rol del científico con el del pintor. Un pintor convenía de tener profundos conocimientos de teología, historia y mitología para estar autorizado en la representación de la historia que debería de narrar mediante su expresión artística, ya fuera escultura o pintura, lo divino debería de ser percibido desde la perspectiva humana para hacerlo de mayor significado: Dios trata de concebirse evidente a la razón humana, en vez de limitarlo a la impresión de la fe. No obstante se introduce con ímpetu la pintura profana; por un lado germina el retrato representando a los mecenas de los pintores o a efigies representativas del saber, tanto moderno como antiguo; por otro la invasión del neoplatonismo florentino con representaciones paganas que se reajustan al cristianismo. Es esta etapa cuando los artistas principian en firmar sus obras, sus antecedentes biográficos son recogidos por los entendidos en arte, y sus teorías pictóricas están impregnadas de gran elaboración intelectual. El renacimiento se organiza en dos hemisferios, el Quattrocento o siglo XV y el Cinquecento o siglo XVI.
ARQUITECTURA
Los elementos constructivos más característicos del estilo renacentista fueron: el arco de medio punto, columnas, cúpula semiesférica, bóveda de cañón y cubierta plana con casetones.
Decorativos: Pilastras, frontones, pórticos, motivos heráldicos, almohadillados, volutas, grutescos, guirnaldas, motivos de candelabros o pebeteros y tondos o medallones. En cuanto a la decoración el Renacimiento preconiza el despojamiento, la austeridad, el orden. Por etapas, la arquitectura se diferencio en sus dos etapas.
Una de las obras mas imponentes del renacimiento fue sin duda, la Basílica de San Pedro, obra de Bramante y Miguel Ángel en su mayor parte; la cúpula fue terminada por Giacomo della Porta. En general, la arquitectura cuatrocentista da la impresión de orden, sencillez, ligereza y simetría, predominando en el interior de los edificios la luminosidad y la desnudez. Los arquitectos más destacados de este período son Brunelleschi, Michelozzo, Leon Battista Alberti, y la principal obra será la Catedral de Santa María del Flore, de Florencia, y su famosa cúpula. Miguel Ángel introduce el orden gigante en su proyecto para la basílica, lo que rompe con el concepto de arquitectura hecha a la medida del hombre. Los palacios se adornan con elaborados bajorrelieves o de esculturas exentas. A medida que avanza el siglo el Manierismo se introduce en la arquitectura, con edificios cada vez más suntuosos, rebuscadas decoraciones y elementos que pretenden captar la atención del espectador por su originalidad.
PINTURA
Una búsqueda constante de los pintores de esta época será la perspectiva, objeto de estudio y reflexión para muchos artistas: se trató de llegar a la ilusión de espacio tridimensional de una forma científica y reglada. La pintura cuatrocentista fue una época de experimentación. Los pintores más destacados de esta época fueron: en Florencia, Fra Angélico, Masaccio, Benozzo Gozzoli, Piero della Francesca, Filippo Lippi, Paolo Uccello. En Umbría, Perugino. En Padua, Mantegna, y en Venecia Giovanni Bellini. Por encima de todos ellos destaca Sandro Botticelli, autor de alegorías, delicadas Madonnas y asuntos mitológicos. Otros autores del Quattrocento italiano son Andrea del Castagno, Antonio Pollaiuolo, il Pinturicchio, Domenico Ghirlandaio, Cima da Conegliano, Luca Signorelli, Cosme Tura, Vincenzo Foppa, Alessio Baldovinetti, Vittore Carpaccio. Los autores estudiaban cuidadosamente la composición de sus obras.
Otros autores tomaron algunas novedades manieristas pero siguiendo una línea más personal y clasicista. Precursores de la escuela veneciana del Cinquecento fueron Giovanni Bellini y, sobre todo, Giorgione, pintor alegorías, paisajes y asuntos religiosos melancólicos y misteriosos. Tiziano fue el mayor pintor de esta escuela, excelente retratista, quizá el más demandado de su tiempo; autor de complejas y realistas composiciones religiosas, llenas de vida y colorido. En la última etapa de su vida deshace los contornos de las figuras, convirtiendo sus cuadros en puras sensaciones de luz y color, anticipo del Impresionismo. Tintoretto, Paolo Veronese y Palma el Viejo continuarán la escuela llevándola hacia el Manierismo.
ESCULTURA
Como en las demás manifestaciones artísticas, los ideales de vuelta a la Antigüedad, inspiración en la naturaleza, humanismo antropocéntrico e idealismo fueron los que caracterizaron la escultura de este período.
Durante el Renacimiento decae en cierta manera la tradicional talla en madera policromada en favor de la escultura en piedra (mármol preferentemente) y se recupera la escultura monumental en bronce, caída en desuso durante la Edad Media. Los talleres de Florencia serán los más reputados de Europa en esta técnica, y surtirán a toda Europa de estatuas de este material. Lorenzo el Magnífico era aficionado a las esculturas griegas y romanas y había formado una interesante colección de las mismas, poniendo de moda el gusto clásico. Los autores más destacados de la época serán Lorenzo Ghiberti, Andrea Verrocchio, Donatello, el taller de los hermanos Della Robbia, que introducen la cerámica vidriada, utilizándola en decoraciones de edificios, Jacopo della Quercia, Desiderio da Settignano y Bernardo Rossellino.
Miguel Ángel fue, como tantos otros en esta época, un artista multidisciplinar. En sus primeras obras recoge el interés arqueológico surgido en Florencia. En sus obras finales el artista desdeña de la belleza formal de las esculturas y las deja inacabadas, adelantando un concepto que no volvería al arte hasta el siglo XX. Miguel Ángel continúa con la tradición de monumentos públicos heroicos y profanos que inició Donatello y la lleva a una nueva dimensión con su conocido David.
Bartolomeo Ammannati, Giambologna y Baccio Bandinelli, que exagerarán los elementos más superficiales de la obra del maestro, situándose plenamente todos ellos en la corriente manierista.
El arte gótico es un estilo que se desarrolló en Europa occidental durante los últimos siglos de la Edad media, desde mediados del siglo XII hasta la implantación del Renacimiento.Es un arte casi exclusivamente religioso. Se trata de un amplio período artístico, que surge en el norte de Francia y se expande por todo Occidente. Según los países y las regiones se desarrolla en momentos cronológicos diversos, ofreciendo en su amplio desarrollo diferenciaciones profundas: más puro en Francia , más horizontal y cercano a la tradición clásica en Italia, con peculiaridades locales en Flandes, Alemania, Inglaterra, Castilla y Aragón.
Adoracion de los magos en la catedral de Estrasburgo
Arquitectura.
Como el arte gótico era prácticamente un arte religioso, naturalmente los elementos arquitectónicos que mas se dieron, fueron las catedrales. Se destaca en este periodo la obsesión por la verticalidad y la luz.
La luz.
En el periodo Gotico se quiso dar una especial importancia a la luz, ya que, la luz representaba divinidad, y lo que hicieron fue dejar de plasmar retratos de luz, sino tratar de hacer que la mayor cantidad de luz entrara a las catedrales, asi tambien creando un efecto de elevación. Para esto se crearon los famosos vitrales goticos.
Como se puede ver por las fotos en el periodo gotico, se le daba gran importancia no solo a que hubiera muchos vitrales, sino también al arte plasmado en el vitral.
Escultura.
Las esculturas goticas, nacieron en los muros de las iglesias a mediados del siglo XII, en la isla de Francia.
la esculturas, se crearon meramente para la adornación de dichas iglesias, por lo tanto eran esculturas religiosas.
Como se puede ver en la siguiente escultura, las ojivas era algo muy utilizado en el periodo gotico.
Pintura.
La pintura gótica, una de las expresiones del arte gotico, no apareció hasta alrededor del año 1200, es decir, casi 50 años después del comienzo de la arquitectura y la escultura gotica. La pintura gotica trata de representar el naturalismo, pero no se acerca tanto a la belleza.
La pintura en el periodo gotico no se hacia en lienzos, se hacia en las paredes de las catedrales.
Constituye un nuevo comienzo del arte occidental que reúne las distintas tendencias de la temprana Edad Media.
ARQUITECTURA
La arquitectura eclesiástica se considera muy importante, debía de acoger a una gran comunicad, al numeroso clero y debía de tener en cuenta las exigencias del culto a las reliquias y las peregrinaciones. Se dividía en tres naves, una central y dos laterales. La nave central tenía una altura de 35 metros, 3 metros más que las naves laterales; 80 metros de largo y anchura de 25 metros. El número de ábsides depende de las naves y aunque estas tienen forma circular, se emplean como capillas, de aquí que reciban el nombre de capillas absidiales. Si las naves laterales se prolongan por detrás envolviendo la capilla mayor forman la girola o el deambulatorio.
Catedral y Torre de Pisa
La decoración en el románico estuvo destinada en especial para los capiteles y los pórticos y la escultura sobresalió como arte decorativo y supeditado a la arquitectura, tanto en el capitel, como en los tímpanos de las puertas. Aparecen las arquivoltas que son arcos concéntricos, el tímpano encima de la puerta principal, cimborrio una torre cuadrada o poligonal y los canecillos para sustentar aleros de los tejados con belleza y simbolismo.
Portal Speciosa del Monasterio de Leyre, en Navarra (España).
ESCULTURA
Canecillos de la Iglesia de San Juan Bautista de Villanueva de la Nía, en Cantabria (España)
Siempre fue parte integral del diseño arquitectónico, por lo que las paredes, cielos rasos, portales, columnas y capiteles no fueron simples elementos esculturales sino los sitios en donde las imágenes talladas comunicaban su mensaje y tenían un significado.
El tímpano se llena con la escultura del Pantocrátor, en su torno se coloca el tetramorfos, o sea los cuatro animales simbólicos de los Evangelistas o bien los 24 ancianos del Apocalpisis. Otras veces en el tímpano se representan escenas del juicio final, de la venida del Espíritu Santo, la Asunción.
Tímpano de la portada de la catedral de Conques
Lo más importante será el simbolismo, la escultura es abstracta, convencional, antinaturalista. La figura humana aparece esquematizada, espiritualizada, envuelta en ropajes de pliegues simétricos y paralelos.
La Anunciación de la Basílica de San Vicente de Ávila
PINTURA
Asi como la escultura, tiene un valor decorativo y desarrolla idénticos temas de iconografía. Lo más importante es su sentido pedagógico, por lo que el artista coloca rayos horizontales de color en el fondo de la figura para llamar la atención de lo que se narra.
La técnica más usada es el fresco, usando tonalidades vivas de intensos contrastes cromáticos. Los colores más usuales son el ocre, rojo, amarillo, blanco y negro, y los menos empleados, el verde y el azul.
